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Comment Kurt Cobain m'a convaincu de la commercialisation de l'art | Des avis

L’art pour l’art était la doctrine des bohèmes du XIXe siècle qui croyaient qu’il ne devait pas être créé à des fins commerciales, mais pour une plus grande exploration créative et une plus grande expression de soi. Et bien que ce soit une notion noble, les artistes ont besoin de moyens pour assurer leur subsistance. Puis la question se pose lorsque l'artiste commence à monétiser et à promouvoir son travail, est-ce que cette même œuvre commence à perdre de sa valeur?

En tant qu’écrivain et poète, j’ai toujours eu du mal à commercialiser mon travail. Se livrer à une «auto-promotion éhontée», comme on dit, était comme une trahison envers l'artiste en moi. Une fois, j'ai envoyé un texto à un ami exprimant mon hésitation à créer une page Instagram pour partager ma poésie. Elle a répondu avec une remarque brève: "Neha, si un singe danse dans la jungle et que personne ne le voit, alors à quoi ça sert?" La logique semblait logique et j'ai donc créé la page, en la supprimant rapidement 15 minutes plus tard. Personnellement, une fois que j'ai posé le stylo et que le claquement du clavier ruminait, je ne veux plus rien avoir à faire avec mes mots.

Il y a une raison pour laquelle la société considère des artistes comme Vincent Van Gogh ou El Greco comme deux des plus grands peintres de tous les temps, au-delà de la qualité de leur travail: ils étaient en grande partie inconnus de l'époque où ils étaient en vie, ne gagnant que leur renommée et leur reconnaissance. à titre posthume. Leur travail est considéré comme légitime parce qu'ils étaient de «vrais» artistes qui ont persisté et ont continué à créer des œuvres significatives malgré le manque d'adulation. Cependant, étant donné que nous vivons maintenant dans un monde largement globalisé, certaines personnes soutiennent que les artistes n'ont plus vraiment d'excuse pour ne pas partager leur travail.

Cependant, l'art et le commerce sont toujours considérés comme deux professions dichotomiques. Les artistes créent à partir de l'âme, accèdent à la vérité en eux et procèdent ensuite à la porter sur papier ou à l'écran. Les hommes d'affaires, en revanche, sont davantage considérés comme des rouages ​​dans les machines capitalistes dont le but premier est de gagner de l'argent. Mais à un moment donné, il semble que l'artiste doit devenir l'homme d'affaires.

Un artiste qui a vraiment compris la commercialisation ultime de l'art était Kurt Cobain. Cobain, souvent salué comme le «roi du grunge», était le leader du groupe de rock Nirvana. Le groupe, qui a atteint une renommée fulgurante au début des années 1990, était responsable de l'introduction du rock indépendant dans le courant dominant. Malgré le succès mondial et la portée de Nirvana, Cobain était souvent considéré comme un participant involontaire à la renommée de son groupe. Il a rejeté extérieurement la commercialisation de la musique et méprisé les junkets de presse et l'aspect promotionnel qui faisaient partie intégrante de l'entreprise.

Cependant, en y regardant de plus près, il est devenu clair à quel point Cobain était vraiment conscient de lui-même; il savait exactement ce qu'il faisait et fonctionnait comme un homme d'affaires. Cobain était évidemment conscient que Nirvana faisait appel à un marché de niche rempli d'adolescents jeunes, désabusés et angoissés et bon nombre des chansons qu'il a écrites («Smells like Teen Spirit» ou «Territorial Pissings») reflétaient sa conscience de la démographie de son public et de l'état d'esprit de le temps.

Danny Goldberg, l'ancien directeur musical de Nirvana, a écrit dans son livre Serving the Servant sur la façon dont Cobain avait envisagé que Nirvana atteigne une reconnaissance mondiale et a stratégiquement planifié pour assurer cela. Goldberg a reconnu cela pour la première fois lors de sa première rencontre avec le groupe en 1990 – pendant les premières parties de la réunion, Cobain est resté en grande partie taciturne, mais a immédiatement sonné pour exprimer sa dissidence sur le maintien du groupe sur le label indépendant. Cobain ne voulait sans aucun doute pas que son art serve un public plus restreint, souhaitant plutôt que le groupe devienne une sensation internationale.

Goldberg a poursuivi en décrivant dans son livre comment Cobain possédait une «compréhension complète et cristalline» de la façon de résonner avec le jeune public sur différents supports – Cobain était impliqué dans tous les aspects du groupe, de la conception de la pochette de l'album à la supervision de la direction de leur vidéos musicales. Sous la façade d'une rockstar réticente, Cobain était visiblement investi dans l'ingénierie du succès international de Nirvana et dans le maintien de l'image externe du groupe.

Cependant, le groupe a fait face à une fin prématurée le 5 avril 1994, lorsque Cobain s'est suicidé. Il rejoint le tristement célèbre «27 club» – un groupe de musiciens décédés à 27 ans d'un suicide, d'une overdose ou d'un accident – aux côtés de chanteurs comme Jimi Hendrix et Janis Joplin.

Cela devient compliqué lorsque notre art devient notre marque alors que nous commençons à quantifier sa valeur uniquement sur la consommation des médias et la réception publique. Une fois que notre propre art est commercialisé dans une large mesure, nous commençons à regarder notre travail différemment et à le dévaloriser s'il n'est pas assez bien accueilli. S'il est le rêve ultime d'un artiste de créer de l'art pour les arts, il y a tellement de choses hors de notre contrôle que l'art ne peut jamais rester purement une poursuite honorable.

Au fil du temps, j'ai appris que l'art et les affaires vont clairement de pair malgré les idéaux opposés polaires que chacun propage. Alors que la croissance créative et la passion pour le métier doivent rester la priorité fondamentale, l'art a finalement besoin d'un public et c'est en fin de compte le travail des artistes de s'assurer que leur travail est vu, entendu et connu. L'argent est inextricablement lié à l'art, peu importe à quel point nous nions cette notion ou évitons de marquer notre travail. L'argent aide non seulement à couvrir les factures, mais comme l'auteur américain Steven Pressfield l'a dit un jour, il «vous achète une autre saison pour créer».

Malheureusement, la société capitaliste dans laquelle nous nous trouvons actuellement vit dans les récompenses et donne la priorité aux carrières STEM plus qu'aux arts créatifs. Alors que les carrières dans les STEM offrent un meilleur retour sur investissement pour un État, beaucoup ignorent le fait que l'histoire de la civilisation est racontée à travers l'art de son peuple. Les arts créatifs, comme la peinture, la sculpture ou la performance, créent tous des individus plus empathiques et ouverts sur le monde qui contribuent à leur autonomisation sociale. Le secteur de la création, qui était déjà sous-financé, se trouve également aux prises avec des coupes budgétaires et des employés en congé au milieu d'une pandémie mondiale. Le manque de financement et de rémunération équitable conduit finalement à la création d'une industrie ultra-compétitive et pressurisée, laissant encore plus les artistes plongés dans un marché du travail pauvre.

Les artistes accèdent à un endroit brisé en eux-mêmes pour manifester ces belles formes d'art que nous consommons tous avec bonheur. L'écriture, en particulier, est un médium artistique qui peut parfois ressembler à celui où il y a une intrusion douloureusement insupportable dans nos pensées et nos désirs les plus privés, à tel point qu'il frôle l'exploitation lorsque nous ne sommes pas rémunérés équitablement. En plus de cela, l'idée que nous devons nous-mêmes promouvoir notre propre travail pour construire un public enlève davantage de temps qui pourrait être consacré à la croissance artistique.

Acteurs, écrivains, peintres et sculpteurs donnent tellement d'eux-mêmes dans leur travail, qu'il arrive un moment où il ne reste plus grand-chose à donner. La société doit peut-être commencer à valoriser l'art qu'elle utilise si facilement, et une juste compensation est probablement le point de départ, étant donné que l'art et les affaires ne sont clairement que les deux faces d'une même médaille.

Les opinions exprimées dans cet article sont celles de l’auteur et ne reflètent pas nécessairement la position éditoriale d’Al Jazeera.

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